Los mejores programas de televisión de todos los tiempos

Por Alan Sepinwall

¿Cómo identificas las mejores series en un medio que ha estado disponible comercialmente desde el final de la Segunda Guerra Mundial? ¿Especialmente cuando ese medio ha experimentado un cambio más radical en los nueve años entre los finales de Breaking Bad y su precuela, Better Call Saul, que en los 60 años que separan a Walter White de Milton Berle? La era actual de Peak TV nos ofrece más de 500 programas con guión por año, muchos de los cuales rompen los límites en términos de cómo se cuentan las historias y quién las cuenta. Por lo tanto, decidimos actualizar nuestra lista de las mejores ofertas de televisión de todos los tiempos, compilada originalmente en 2016. Una vez más, contactamos a estrellas de televisión, creadores y críticos, desde multiguionistas como Natasha Lyonne, Ben Stiller y Pamela Adlon hasta actores. como Jon Hamm y Lizzy Caplan, así como las mentes detrás de programas como The X-Files, Party Down y Jane the Virgin, para clasificar la vasta y complicada historia de la televisión. (Vea la lista completa de votantes aquí). Sin restricciones de época o género, terminamos con una lista ecléctica en la que la institución de televisión infantil saludable Sesame Street terminó un lugar por delante del malhablado Western Deadwood, mientras que el gigante de la era Eisenhower I Love Lucy terminó intercalado entre dos programas, Lost and Arrested Development, que debutó durante el primer mandato de George W. Bush. Muchos de los favoritos regresaron y el espectáculo principal retuvo su corona. Pero los votantes no pudieron resistirse a muchos destacados de los últimos años, incluida una tragicomedia con un café con temática de conejillos de Indias, una comedia impredecible ambientada en el mundo del hip-hop y una adaptación cargada de racismo de un cómic inadaptable. Es un infierno de una lista.

El primero de varios proyectos de película a televisión en esta lista. Sin embargo, este es un spin-off en lugar de una adaptación, ya que Jemaine Clement y Taika Waititi han aparecido en el programa en los papeles que interpretaron en la película de vampiros rockumentary de 2014. La versión FX traslada la acción de Wellington, Nueva Zelanda, a Staten Island y se centra en tres vampiros tradicionales: el rey guerrero Nandor (Kayvan Novak) y los esposos narcisistas y enloquecidos por el sexo Laszlo (Matt Berry) y Nadja (Natasia Demetriou) comparte una casa con el sobrehumanamente aburrido "vampiro energético" Colin Robinson (Mark Proksch) y el familiar humano frustrado de Nandor, Guillermo (Harvey Guillén). Shadows es indescriptiblemente obsceno, notablemente tonto y diabólico en la forma en que logra ser estúpido e inteligente al mismo tiempo.

Antes de The Wire, antes de Los Soprano, estaba Oz, el canario en la mina de carbón por la idea de dramas guionados que existen fuera del ecosistema de la red de transmisión. Creado por St. Elsewhere y Homicide: Life on the Street, el veterano Tom Fontana, Oz tuvo lugar en una prisión de máxima seguridad que albergaba a algunos de los humanos más desagradables representados en la televisión, antes o después. Estaba el sádico supremacista blanco Vern Schillinger (JK Simmons), el amenazante líder de una pandilla Simon Adebisi (Adewale Akinnuoye-Agbaje), el depredador Chris Keller (Chris Meloni) y muchos más. El mundo de Oz era tan vicioso que incluso los prisioneros relativamente benignos —el sustituto de la audiencia Tobias Beecher (Lee Tergesen), el nacionalista negro Kareem Saïd (Eamonn Walker) o el recluso de tercera generación Miguel Alvarez (Kirk Acevedo)— se verían tentados a cometer actos atroces por tiempo. Sin embargo, en medio de todos los asesinatos, torturas y guerras psicológicas, Oz también fue un drama reflexivo y profundamente experimental con mucho que decir sobre la tensión entre castigar a los criminales y rehabilitarlos, y lo que el confinamiento les hace a los hombres buenos y a los malos.

Durante siete temporadas, The Good Wife fue un buen ejemplo de cómo las ambiciones creativas más elevadas pueden pasar de contrabando a la fórmula de un drama procedimental de una cadena de transmisión. Cuando terminó ese programa, los creadores Robert y Michelle King crearon un spin-off diseñado para la falta de restricciones del universo de transmisión. No solo la gran dama legal de Christine Baranski, Diane Lockhart, ahora puede usar palabras que nunca se le permitió decir en Good Wife, sino que The Good Fight podría ir a lugares mucho más extraños y ambiciosos en términos de estilo y sustancia, ya que Diane terminó en un predominantemente bufete de abogados negros y también luchó por aceptar la surrealidad de la vida bajo el presidente Trump. Algunos creadores se benefician de trabajar con cierto grado de limitación, pero liberar a los Reyes ha desatado lo mejor de su creatividad.

La versión cinematográfica de 1968 de la obra de Neil Simon sobre un par de amigos divorciados de mediana edad que no coinciden que comparten un apartamento fue un éxito de taquilla querido y nominado al Oscar. Sin embargo, la adaptación de la comedia de situación que se estrenó dos años después podría decirse que ha dejado una huella cultural más grande que la película o las muchas, muchas producciones de la obra. Así de divinamente emparejados estaban Tony Randall y Jack Klugman como, respectivamente, el fotógrafo retentivo anal Felix Unger (en muchos sentidos, el prototipo de Sheldon en The Big Bang Theory) y el desaliñado periodista deportivo Oscar Madison. Los dos estaban tan juntos que sus personalidades se hicieron cargo no solo de gran parte del legado de Odd Couple, sino también de otras series que se cruzaron brevemente con él. Es imposible pensar en el programa de juegos clásico Contraseña, por ejemplo, sin pensar primero en Felix y Oscar compitiendo juntos y discutiendo sobre el intento de Felix de usar "Aristófanes" como pista para "pájaro". O escuchar a alguien más hablar sobre los peligros de asumir sin flashear a Félix dando esa lección en una sala del tribunal.

Rick Sanchez es un científico loco cuyos muchos inventos le permiten ir a cualquier lugar y hacer cualquier cosa, desde visitar realidades paralelas hasta convertirse en un pepinillo parlante para no ir a terapia familiar. El Rick and Morty animado, creado por Justin Roiland (quien da voz a los personajes del título) y Dan Harmon de Community, parece no tener límites de manera similar, no solo en lo repugnantes y extrañas que pueden ser las aventuras individuales, sino en la facilidad con la que la serie puede alternar. desde celebrar la brillantez imparable de Rick hasta señalar qué idiota tóxico y emocionalmente abusivo puede ser Rick para su nieto y todos los demás que tienen la mala suerte de cruzarse con él.

El programa más nuevo en esta lista, y el único que no está en inglés, Squid Game es emblemático de la forma en que la era de la transmisión ha roto las fronteras del contenido, de modo que su nueva obsesión puede ser fácilmente un drama israelí sobre un hombre judío ortodoxo que se enamora de una viuda como puede ser la última serie de Disney+ Marvel. Pero más allá de lo que representa para el negocio de la televisión, Squid Game, en el que un grupo de surcoreanos desesperados económicamente compiten en una serie de concursos mortales en un parque infantil con un gran premio en efectivo en el que el ganador se lo lleva todo, es un thriller apasionante, una historia socioeconómica despiadada. sátira y un gran escaparate para actores como el ganador del Emmy Lee Jung-jae.

NewsRadio, el hijastro pelirrojo de la era Must-See TV, aparentemente se transmitía todas las noches de la semana excepto los jueves, a pesar de que los momentos más fuertes de la comedia de situación en el lugar de trabajo deberían haberle ganado un lugar en la lista de estrellas de NBC junto con series célebres como Seinfeld o Amigos. Todo estaba un poco, divertidamente fuera de lugar en este espectáculo. El equipo creativo decidió, por ejemplo, dejar que el ansioso gerente de la estación Dave (Dave Foley) y la confiada reportera Lisa (Maura Tierney) tuvieran sexo en el segundo episodio en lugar de prolongar la tensión romántica de una manera típica de la comedia de los noventa. Las historias pueden surgir de las ideas más extrañas, como el arrogante presentador de noticias Bill (Phil Hartman) que se vuelve adicto a los repugnantes sándwiches en la máquina expendedora de la oficina, o el excéntrico dueño de la estación Jimmy James (Stephen Root) que hace traducir sus memorias del inglés al japonés y luego de vuelta al inglés, por lo que de repente se tituló Jimmy James: Macho Business Donkey Wrestler. La quinta y última temporada, producida después del asesinato de Hartman, está llena de baches, y ahora puede ser difícil ver escenas con Joe Rogan como el electricista de la estación sin pensar en quién y en qué se ha convertido Rogan. Pero la serie en su conjunto merecía mucho más de lo que obtuvo de una red que nunca pareció apreciar lo que tenía en la creación de Paul Simms.

El panorama del horario estelar solía estar tan salpicado de dramas de detectives privados como de programas policiales, programas de hospitales y westerns. Con mucho, el mejor y más despreocupado ejemplo de todo el género lo protagonizó James Garner, sobrenaturalmente relajado, como Jim Rockford, un detective de alquiler bajo que vive en un tráiler en una playa de Malibú y trabaja para cualquiera que pague su tarifa de $ 200 por día más gastos. , y recibir puñetazos en el estómago cada 10 minutos más o menos por su boca inteligente. Además de su asombrosa simpatía, Rockford también representa una muestra representativa de la historia de los dramas televisivos. Uno de sus creadores fue Roy Huggins, el hombre responsable de clásicos de los años cincuenta y sesenta como Maverick (también protagonizada por Garner) y El fugitivo. El otro fue Stephen J. Cannell, quien se convertiría en uno de los primeros showrunners famosos en la parte posterior de una ola de éxitos de los años setenta y ochenta como este, The A-Team y 21 Jump Street. Y en unas pocas temporadas, el programa comenzó a contratar al escritor David Chase, quien luego crearía Los Soprano.

El programa de variedades, una vez uno de los géneros más prósperos de la televisión, estaba en sus últimas etapas a mediados de los años setenta. (La secuela del programa de variedades de The Brady Bunch, merecidamente de corta duración, también debutó en 1976.) Sin embargo, Jim Henson y sus amigos le dieron al formato una última y gloriosa explosión de vida a través de dos opciones. El primero se centró en Kermit the Frog y las nuevas creaciones de los Muppets, como el inepto comediante Fozzie Bear y la egoísta y violenta Miss Piggy; el simple hecho de tener a los Muppets como intérpretes le dio a todas las melodías familiares y fragmentos de comedia una sensación de que todo lo viejo es nuevo nuevamente. El segundo, y más crucial, fue dividir el enfoque entre las actuaciones y el caos detrás del escenario, mientras Kermit intentaba pelear con Muppets lunáticos como Gonzo el Grande mientras apaciguaba a invitados famosos como Bernadette Peters y Mark Hamill. El proyecto más sensacional, festivo y de Muppetational Henson de todos.

Johnny Carson fue el tercero de los seis anfitriones que se han sentado en el escritorio de Tonight Show hasta ahora. Pero con el debido respeto a Steve Allen, Jack Paar, Jay Leno, Conan O'Brien y ahora a Jimmy Fallon, el mandato de 30 años de Johnny se destaca como una entidad propia. Su personalidad tranquila, distante y autocrítica (por lo general, era más divertido después de una broma bomba que cuando decía los chistes más exitosos) hizo que Tonight fuera una cita para ver, independientemente de la fortuna de NBC en el horario estelar. El período de principios de los años setenta, cuando el programa acababa de mudarse de Nueva York a Los Ángeles, se destaca como el ideal platónico del formato de programa de entrevistas nocturno. Los invitados frecuentes de la lista A como Burt Reynolds se sentían tan cómodos con Johnny que comenzó a sentir que la audiencia estaba escuchando conversaciones que los participantes no sabían que estaban siendo filmadas. El retiro de Johnny fue el comienzo del fin de la monocultura, ya que las audiencias se dividieron rápidamente entre el Equipo Dave, el Equipo Jay y el Equipo Arsenio, cuando nadie se había acercado a desafiar con éxito la supremacía de Carson.

El mayor proyecto de nostalgia Boomer de todos, antes de que la nostalgia Boomer amenazara con abrumar al mundo entero. Un joven Fred Savage interpretó a Kevin Arnold, un niño ingenuo de los suburbios que se enfrentaba al desafío de la adolescencia en el mismo momento en que Estados Unidos estaba soportando la turbulencia de finales de los sesenta y principios de los setenta. The Wonder Years fue igualmente espumoso y triste, respaldado por un piloto en el que Winnie Cooper (Danica McKellar), amiga de Kevin desde hace mucho tiempo (y enamorada frecuente), se entera de que su hermano Brian murió en Vietnam, y un final en el que el adulto Kevin (la voz de Daniel Stern) nos dice que el padre de Kevin (Dan Lauria) morirá poco después de los eventos de la serie. El aire de inocencia del programa era contagioso, y eso ha sido capturado hábilmente por el reinicio actual (que durante un tiempo fue producido por Savage, antes de que sus colegas en el programa lo acusaran de acoso y agresión sexual), centrándose en una familia negra en el Sur en la misma época, con un vínculo breve pero poderoso con el original.

En la temporada televisiva de 1973-74, CBS presentó posiblemente la mejor noche de programación televisiva de la historia, con una programación de comedia sabatina de cinco programas: All in the Family, M*A*S*H, The Mary Tyler Moore Show, The Bob Newhart Show y The Carol Burnett Show: todo fue genial, sin relleno. Spoilers: los cinco espectáculos están en esta lista, comenzando con la serie de bocetos que llevaría la noche a un final estruendoso. Carol Burnett había sido un elemento básico de programas de variedades y comedias de situación durante la mayor parte de los años sesenta, más famosa en sus colaboraciones con su amiga Julie Andrews, pero su talento no se desató por completo hasta que le dieron su propia serie donde podía parodiar películas (como el famosa parodia de Lo que el viento se llevó con un vestido con una barra de cortina que sobresale) o la televisión (la telenovela falsa recurrente "As the Stomach Turns"), prueba acentos, canta e incluso interpreta de manera experta a la mujer heterosexual para coprotagonistas como Vicky Lawrence, Harvey Korman y Tim Conway. La energía cómica del espectáculo era tan fuerte que pronto se convirtió en algo tan querido por los momentos en los que los actores se partían de risa a mitad de un boceto como por las escenas que transcurrían sin que nadie rompiera el personaje. Al final de cada episodio, Burnett tiraba de su oreja, una señal secreta para su querida abuela que también le decía a su audiencia que estuviera agradecida de haber pasado tres horas viendo algunos de los mejores programas de comedia de pantalla chica que se hayan hecho.

En los años previos a esta dramatización del reinado de la reina Isabel II, Peter Morgan había escrito una serie de películas (sobre todo The Queen de 2006) sobre la familia real y/o los primeros ministros británicos. Con The Crown, Morgan se sumergió profundamente en sus temas favoritos, eligiendo a múltiples actrices (Claire Foy, luego Olivia Colman, y pronto Imelda Staunton) para interpretar a Elizabeth en varias edades, y describiendo sus complicadas relaciones con varios primeros ministros (especialmente Foy frente a Winston Churchill de John Lithgow y Colman junto a Margaret Thatcher de Gillian Anderson). Morgan también extrajo un rico terreno dramático en las muchas ocasiones en las que Su Alteza Real sintió que tenía que anteponer los mejores intereses de la monarquía a las mejores necesidades de su esposo Philip (Matt Smith, luego Tobias Menzies y pronto Jonathan Pryce), su hermana Margaret (Vanessa Kirby, Helena Bonham Carter, Lesley Manville), y su hijo Charles (interpretado en las últimas temporadas por Josh O'Connor, con Dominic West a punto de tomar el relevo), entre otros. La Corona camina por una estrecha cuerda floja, quizás aún más estrecha tras el reciente fallecimiento de la reina Isabel real, entre criticar la naturaleza misma de la realeza y sentir una gran simpatía por las personas que viven dentro de las estrictas restricciones de la familia.

Thirty Helens está de acuerdo: con disculpas a Barenaked Ladies, esta piedra de toque de comedia de sketches Gen X fue lo mejor que salió de Canadá a fines de los años ochenta y principios de los noventa. Dave Foley, Bruce McCulloch, Kevin McDonald, Mark McKinney y Scott Thompson compartieron el don de sacar enormes carcajadas de premisas que suenan completamente incoherentes en la página. ¿Un hombre amargado que se sienta en una silla plegable en la acera y pretende aplastar las cabezas de las personas en la distancia? ¿Una mujer medio gallina solitaria y obsesionada con el sexo? ¿Un hombre cuya negativa a afeitarse la barba de vacaciones amenaza con arruinar su vida? Nada de esto debería ser divertido. De alguna manera, todo lo es, incluido el renacimiento de este año que presentó el éxito novedoso de los setenta "Brand-New Key" en la cabeza de todos los que tuvieron la suerte de verlo.

Ser el hombre heterosexual en una comedia puede ser un papel desagradecido. Sin embargo, Bob Newhart construyó toda una carrera haciendo reír al público como el único hombre cuerdo en un mundo loco. Su primer y mejor vehículo de comedia de situación (aunque su éxito de los ochenta Newhart tenía sus encantos) no tomó ese concepto literalmente, pero estuvo cerca. Newhart interpretó al Dr. Bob Hartley, un psicólogo de Chicago con una lista de pacientes excéntricos, una esposa sarcástica pero cariñosa en Emily, de Suzanne Pleshette, y una vida en general que parecía diseñada para sacar a Bob de su diminuta zona de confort. Inteligente, sofisticado y condenadamente divertido.

El primer programa que sugirió que la era de la transmisión podría dar cabida a los tipos de personajes e historias para los que la televisión no tenía lugar, incluso en esos embriagadores años posteriores a Los Soprano en el cable. Orange comenzó con el molesto Piper titulado de Taylor Schilling enviado a una prisión federal, donde inicialmente estaba aterrorizada por todas las mujeres negras, marrones y / o de clase baja que conoció allí. Rápidamente, sin embargo, la serie creada por Jenji Kohan abrió los ojos tanto de Piper como de la audiencia al hecho de que sus compañeros de prisión: la enferma mental Suzanne (Uzo Aduba), la peluquera trans Sophia (Laverne Cox), la adicta bromista Nikki (Natasha Lyonne) , Gloria materna (Selenis Levya), Taystee (Danielle Brooks) que busca la justicia y muchos más, eran seres humanos complicados con historias propias interesantes. (La mayoría de ellos, francamente, mucho más interesantes que los de Piper, pero incluso los escritores parecían entender eso). Orange tomó grandes cambios creativos que no siempre conectaron, pero tuvo muchos momentos increíbles y abrió nuevas y vastas posibilidades para la televisión. como un todo.

¿Por qué alguien querría hacer esto? ¿A quién le parecería una idea inteligente o útil tomar Fargo, ganadora del Oscar al mejor guión, y quizás la película más querida de uno de los equipos cinematográficos más idiosincrásicos de todos los tiempos en Joel y Ethan Coen, e intentar convertirla en en un programa de televisión? De alguna manera, sin embargo, ha funcionado. El golpe maestro de la antología en curso de Noah Hawley es que no es una nueva versión o reinicio de la película, sino una especie de remix de los hermanos Coen, ambientada en el mismo universo ficticio que las aventuras de la policía embarazada de Minnesota, Marge Gunderson, y llena de alusiones a otros Coen filma, pero contando sus propias historias. Hay personajes destinados a evocar a los Coen, sobre todo la obstinada investigadora Molly Solverson de Allison Tolman en la primera temporada, y actores como Billy Bob Thornton y Michael Stuhlbarg que han aparecido en una o más películas de Coen. Sin embargo, lo que Hawley ha logrado hacer principalmente (particularmente en las dos primeras temporadas) ha sido embotellar parte del espíritu de esas películas mientras deja que la serie de televisión finalmente se sienta como algo poco convencional, así como un escaparate fabuloso para los actores. como Tolman, Patrick Wilson, Kirsten Dunst, Ted Danson, Bokeem Woodbine, Carrie Coon, Mary Elizabeth Winstead, David Thewlis, Glynn Turman y más.

Steve Coogan ha estado interpretando a Alan Partridge, un presentador de radio y televisión desagradable, socialmente incompetente e inseguro que niega por completo cuán menor es su celebridad, durante más de 30 años, en la radio, la televisión, en películas, podcasts e incluso en vivo. espectáculos escénicos. No es difícil entender por qué el actor inglés ha hecho de este el papel de su vida, especialmente cuando ves I'm Alan Partridge. Después de arruinar su carrera y su vida personal al final de su serie anterior (la parodia del programa de entrevistas Knowing Me, Knowing You), Alan se retira a una existencia espartana como locutor de radio local a cargo del turno de noche, viviendo en un pequeño hotel cuyos empleados se cansan rápidamente de sus solicitudes especiales y sus intentos desesperados por conocerlos mejor, y lucha por regresar a la BBC. Coogan y colaboradores como Armando Iannucci (futuro creador de Veep) no rehuyeron lo difícil que era estar en compañía de su personaje principal, aunque periódicamente dieron atisbos del gran artista que Alan creía ser, como su intento de representar toda la secuencia inicial de La espía que me amó.

Lo que está muerto puede que nunca muera, pero en su mayor parte, los títulos de televisión que han resucitado en los últimos años han tendido a pertenecer a grandes éxitos que aún tenían vigencia entre los espectadores contemporáneos. Entonces, ¿por qué Starz en 2023 traerá de vuelta Party Down, un programa cuya audiencia en una semana determinada podría escribirse con solo cinco dígitos, y que no obtuvo premios de los que hablar en sus dos temporadas? ¿Una comedia sobre meseros frustrados porque sus grandes sueños de Hollywood no se hacen realidad tiene el mismo prestigio que, digamos, The X-Files o Will & Grace? Pero Party Down fue tan genial en su corta existencia: una pieza de entretenimiento irónica, ingeniosa, bien elaborada y con frecuencia sucia, con un maravilloso vínculo cómico entre un conjunto dirigido por Adam Scott, que si la mayoría de la gente involucrara a la primera vez están dispuestos a reencontrarse para más desventuras, entonces vale la pena intentarlo. ¿Estamos teniendo diversión aún?

Durante décadas, el récord de la comedia de situación de acción en vivo de mayor duración de todos los tiempos estuvo en manos de The Adventures of Ozzie & Harriet, una comedia de situación agresivamente sana que debutó a principios de los años cincuenta y protagonizada por una familia de la vida real que interpreta versiones idealizadas de sí mismos. Ese récord finalmente fue batido hace unos años por Siempre soleado, una comedia sucia, grosera y engañosamente brillante que es una desviación tan estilística y filosófica de Ozzie & Harriet en todos los sentidos que la familia Nelson probablemente se desmayaría al verlo. Sunny está protagonizada por Rob McElhenney (quien también lo creó), Glenn Howerton, Charlie Day y Kaitlin Olson como cuatro idiotas egoístas que siguen chocando con temas candentes en las noticias, con financiamiento e interferencia de Danny DeVito como Howerton y Olson. padre. Mientras que la mayoría de las comedias de situación clásicas están sin aire cuando llegan a su tercera o cuarta temporada, Sunny ha demostrado ser tan increíblemente duradera que no sería una sorpresa llegar a un episodio llamado "La pandilla es elegible para unirse a AARP".

Esta y otras miniseries épicas de HBO From the Earth to the Moon no son exactamente spin-offs producidos por Tom Hanks de sus clásicos de los noventa Salvar al soldado Ryan y Apolo 13, respectivamente. Pero ambos sugieren que Hanks se dio cuenta de que esas películas solo arañaban la superficie de sus temas, y que la televisión era el mejor lugar para profundizar más. Basado en el libro de no ficción de Stephen Ambrose, Band sigue a una sola compañía de soldados de infantería aerotransportados en la Segunda Guerra Mundial, desde los inocentes días del campo de entrenamiento hasta el violento caos del Día D y el brutal desafío de resistencia de la Batalla de las Ardenas todo el tiempo. camino a la victoria en el teatro europeo de la guerra. Y aunque muchos de los rostros cambian a medida que mueren los soldados y llegan reemplazos ingenuos, todo el viaje de 10 horas se basa en la presencia de un joven Damian Lewis como el humilde y tranquilizador líder de Easy Company, Dick Winters. En 2001, fue la serie limitada más cara jamás realizada, y hay mucho espectáculo por descubrir mientras los hombres de Winters se abren camino a través de Francia, Holanda, Bélgica y Alemania. Pero las partes que persisten todos estos años después son las pequeñas partes humanas que representan las heridas físicas y psicológicas que sufrió Easy Company en el camino hacia tiempos de paz.

Parte del impacto del trabajo de Bob Odenkirk en Better Call Saul fue que era muy conocido por su comedia, y particularmente por el tipo de comedia alternativa torcida que él y David Cross hicieron durante cuatro temporadas épicamente extrañas. Mr. Show era una serie sobre el compromiso, incluso si los personajes de cada boceto tendían a comprometerse con las peores ideas posibles, como Cross presentando un programa de llamadas pregrabadas donde los espectadores preguntan constantemente sobre el tema de la semana anterior, o Odenkirk tocando un jefe de la mafia que cree, con convicción homicida, que 24 es el número más alto. Y de vez en cuando, como una audición cruzada para un trabajo de actuación con un monólogo sobre la audición para un trabajo de actuación, esas elecciones aparentemente horribles dan buenos frutos para todos los involucrados.

Mientras emitíamos nuestros votos, no pudimos evitar preguntarnos: ¿Deberíamos penalizar a la sensación de principios de siglo por los pecados de sus spin-offs de películas, y especialmente de su desafortunada serie de secuelas... y así? Pero Sex and the City no es el único programa exitoso en la historia de la televisión, o incluso el único en esta lista, que sufre de proyectos de seguimiento mal concebidos. (Temporadas de Netflix de Arrested Development, te estamos mirando). Y la carrera original (especialmente después de que Michael Patrick King reemplazó a Darren Star como showrunner después de la primera temporada) hizo más que solo establecer tendencias de moda o inspirar innumerables juegos de "¿Eres un ¿Charlotte o Samantha? Fue una mirada ingeniosa e inteligente a cuatro mujeres en un momento particular de sus vidas, y un período particular en Nueva York (incluso si su sección transversal era casi exclusivamente blanca y heterosexual) que se trataba tanto de los desafíos de mantener amistades como se trataba de encontrar la pareja romántica adecuada. Independientemente de los errores que surgieron después, Sex and the City en sí misma todavía merece caminar con orgullo en su par más alto de Manolo Blahniks.

En All in the Family, el arrogante George Jefferson (Sherman Hemsley) y su paciente esposa Louise (Isabel Sanford) vivían en un barrio obrero de Queens justo al lado de Archie y Edith Bunker. Hemsley fue tan instantáneamente eléctrico frente a Sanford y la estrella de Family Carroll O'Connor que George y "Weezy" rápidamente se graduaron a su propia comedia de situación. Aún mejor para George, tuvo que mudarse lejos de Archie, a un apartamento de lujo en el cielo del Upper East Side de Manhattan. El spin-off abrió nuevos caminos en la televisión al convertir a los mejores amigos de George y Weezy en la pareja interracial de Tom (Franklin Cover) y Helen (Roxie Roker). Y, al igual que su serie principal, podría tomar en serio las relaciones raciales y otros eventos actuales, como en un episodio en el que George asiste accidentalmente a una reunión de reclutamiento de KKK, o un flashback de la lucha de George para obtener un préstamo de un banquero prejuicioso, para abrir su primera tintorería. En su mayoría, sin embargo, la serie fue una máquina de reír implacable, confiando en que cualquier combinación de Hemsley, Sanford y Marla Gibbs (como la atrevida criada de los Jefferson, Florence) haría magia de comedia juntos.

"Me haces tirar, te dejo caer". Esas ocho palabras representan el código conciso pero letal por el cual Raylan Givens (Timothy Olyphant), un alguacil estadounidense reasignado a regañadientes a la oficina de campo de Kentucky cerca de la comunidad del condado de Harlan de la que esperaba escapar para siempre, vive su vida violenta pero extremadamente entretenida. A lo largo de la adaptación de Graham Yost de un personaje que aparece en varias novelas de Elmore Leonard, Raylan encontraría formas de convertirse en juez, jurado y verdugo maniobrando a los malos en situaciones en las que su uso letal de la fuerza contra ellos sería, bueno... ya ves el título. del espectáculo aquí, ¿verdad? La actuación bromista pero vulnerable de Olyphant dominó la pantalla, incluso cuando Yost y los otros escritores le arrojaron un ejército de tipos malos coloridos: el experto en explosivos de Walton Goggins, Boyd Crowder, que habla rápido sobre todos los demás. Un viaje divertido de principio a fin, momento en el que todos sentimos que habíamos extraído carbón junto con Raylan y Boyd.

Mientras Cheers se acercaba al final de una de las carreras más exitosas que jamás haya tenido una comedia de situación, el arrogante psiquiatra de Kelsey Grammer, Frasier, probablemente no habría sido el favorito de apuestas para liderar un posible spin-off. Pero el hecho de que Frasier nunca encajara realmente en el bar lo convirtió al final en el candidato perfecto. (¿De qué habría sido un programa centrado en las normas si él no estuviera sentado en su taburete al lado de Cliff?) En cambio, Frasier regresó a su casa de Seattle para convertirse en una celebridad local menor como presentador de un programa de radio, para ayudar cuidar a su padre Martin (John Mahoney), enfermo y separado, y reconectarse con su hermano Niles (David Hyde Pierce), aún más reprimido, con la ayuda en el camino de su productor Rob (Peri Gilpin) y la enfermera de Martin, Daphne (Jane Leeves) . Fue una mezcla tan potente de personajes, actores y musas cómicas —más farsa y dada a los juegos de palabras que las aventuras de Frasier en Boston— que Grammer terminó interpretando el papel durante 11 temporadas más (después de nueve en Cheers). No está mal, Dra. Crane.

Considere los números alrededor de la comedia original del fregadero de la cocina: una temporada. Treinta y nueve episodios. Cuatro personajes. Un conjunto primario, extremadamente estrecho. Dentro de esos confines aparentemente estrechos, Jackie Gleason (como el conductor de autobús de mal genio Ralph Kramden), Audrey Meadows (Alice, la esposa frustrada de Ralph), Art Carney (el mejor amigo tonto de Ralph, Ed Norton) y Joyce Randolph (Trixie, la esposa mandona de Ed) parecían capaces de lograr casi cualquier cosa. Era una comedia amplia y tonta, que hizo que la audiencia del estudio se confundiera sobre la facilidad con la que Ralph podía activarse o la forma extraña en que Ed miraba el mundo. (Durante una lección de golf, se le dice que "haga frente a la pelota", Ed la mira y alegremente dice: "¡Hola, pelota!"). También fue una tragedia apenas disimulada sobre un matrimonio entre dos personas que esperaban mucho más de sí mismas y entre sí. (Las constantes amenazas de Ralph de enviar a Alice "¡a la luna!" son mucho más oscuras hoy que a mediados de los años cincuenta). Era ridículo, profundo e inmortal, y no solo porque Gleason y Carney no podían. No me resisto a seguir interpretando a Ralph y Ed en los bocetos durante otras dos décadas. Hay una razón por la cual el apodo de Gleason era "El Grande".

Se ha vuelto menos divertido mirar hacia atrás en este a la luz de las muchas acusaciones recientes de comportamiento abusivo contra su creador, Joss Whedon. Pero si podemos separar el arte del artista (un desafío con varios programas en esta lista), la nueva película de Whedon de principios de los noventa sobre una alegre estudiante de secundaria (interpretada aquí por Sarah Michelle Gellar) que secretamente es una guerrera contra el mal sobrenatural es a la vez un gran espectáculo y uno muy influyente. Ayudó a definir varias generaciones de drama adolescente y de fantasía, y su sensibilidad autoconsciente y punzante de clichés terminó como el modo predeterminado de todo el Universo Cinematográfico de Marvel. No solo eso, el uso del programa de criaturas de la noche como metáforas de la agitación adolescente de la vida real: Buffy pierde su virginidad con Angel (David Boreanaz), y como resultado, literalmente se convierte en un monstruo sin alma, sigue siendo increíblemente potente.

¿Es este el mejor spin-off de un spin-off? Eso puede depender de si clasifica, por ejemplo, los programas de Star Trek de los años noventa o los diversos dramas de superhéroes Arrow-verse de CW como derivados o como entradas en una franquicia más grande. De cualquier manera, Good Times, que se escindió de Maude, que ya se había separado de All in the Family, tiene un buen argumento para el título. Esther Rolle y John Amos interpretaron a Florida y James Evans, cónyuges que hacen todo lo posible por criar bien a sus hijos y mantenerlos seguros mientras viven en un complejo de viviendas de Chicago. Amos y luego Rolle eventualmente dejarían el programa, frustrados porque sus personajes habían sido marginados a favor de las payasadas del coprotagonista Jimmie Walker como el hijo mayor JJ. Walker para gritar su "¡Dyn-o-mite!" eslogan, incluido un episodio clásico en el que el hijo menor Michael (Ralph Carter) se da cuenta de que la prueba de coeficiente intelectual de su escuela tiene prejuicios raciales, u otro en el que la familia Evans se da cuenta de que su vecina Penny (una muy joven Janet Jackson) está siendo abusada físicamente por su madre.

La década de 2010 fue la década de los dramas de autor: espectáculos de media hora en los que una persona desempeñaba múltiples funciones como creador, escritor, director y estrella, y en los que el tono e incluso el género podían cambiar de un episodio a otro. Entre los mejores estaba Better Things, un vehículo ligeramente autobiográfico de Pamela Adlon (quien lo creó junto con Louis CK, antes de que se marchara debido a su maltrato a las mujeres), inspirado en su vida como actriz ligeramente reconocible que crió a tres hijos en su propio. Adlon y compañía dominaban tanto su mundo y sus personajes que Better Things a menudo se sentía menos como una historia que como una experiencia, y a la que era fácil volver, semana tras semana, temporada tras temporada, hasta que entendíamos cada faceta de El alter ego de Adlon, Sam Fox.

Cuando Lorne Michaels invadió el elenco de Second City de Chicago y Toronto para la alineación original de Saturday Night Live, la gente que dirigía el famoso grupo de comedia de improvisación se dio cuenta de que tal vez deberían hacer su propio espectáculo y llenarlo con otras estrellas de Second City como John Candy, Eugene Levy, Catherine O'Hara, Joe Flaherty, Andrea Martin y Dave Thomas. SCTV se construyó en torno a la idea de que todo lo que veíamos se transmitía desde la estación de televisión más pequeña del mundo, ya fuera un programa de entrevistas con Thomas y Rick Moranis como los estereotipos canadienses Bob y Doug McKenzie; Flaherty y Levy como presentadores de noticias locales; o Candy y Levy como los hermanos Shmenge que tocan la polca. Con el tiempo, SNL terminaría cazando furtivamente a varios clientes habituales de SCTV (sobre todo Martin Short), y NBC incluso hizo que el programa (que fue producido y transmitido en Canadá) fuera parte de su programación nocturna durante un par de años. Pero a pesar de los orígenes de su nombre, los bocetos fueron de primer nivel y un gran escaparate para ese increíble elenco.

Otro lío de arte contra artista. El legado de Dave Chappelle, sin duda, se ha visto empañado por su compromiso en los últimos años con la transfobia extrema. ¿Podemos seguir disfrutando de la serie de comedia de sketches que él y Neal Brennan crearon, y las formas en que el programa que lleva su nombre mezcló parodias histéricas de celebridades negras como Rick James, Prince y Lil Jon con ideas más matizadas pero divertidas como el falso programa de juegos "Conozco gente negra"? Al igual que con varias series en esta lista (y algunas que no pasaron del todo bien entre nuestros votantes, como Louie y The Cosby Show), tal vez sea mejor recordar con cariño la experiencia de verla en el pasado, en lugar de intentar volver a visitarla. y tener que pensar más directamente sobre el tipo ahora controvertido en el centro de todo.

John Cleese hizo su versión del trato de Larry David con HBO mucho antes de que nadie hubiera oído hablar de la estrella de Curb Your Enthusiasm. Un año después del final de Monty Python's Flying Circus, Cleese y su esposa (y también veterana de Python) Connie Booth crearon Fawlty Towers, una comedia de situación sobre un pequeño hotel inglés dirigido por Cleese como el arrogante, fácil de ofender y en su mayoría idiota Basil Fawlty. Produjeron seis episodios absolutamente perfectos, el más famoso en el que Basil no puede evitar mencionar la Segunda Guerra Mundial cuando él y su esposa Sybil (Prunella Scales) son los anfitriones de un grupo de invitados alemanes, y luego simplemente... se detuvieron. Y luego, cuatro años más tarde, tuvieron la inspiración para otros seis, que también fueron geniales, y luego se detuvieron de nuevo, esta vez aparentemente para siempre. Pero dada la cantidad de comedia moderna, particularmente del tipo que te hace temblar como si estuvieras viendo una película de terror, tiene una deuda con este programa, no descartes la posibilidad de que Basil Fawlty haga un regreso tardío e incómodo pronto.

Podríamos tratar de llamar a este programa policial el eslabón perdido entre los dramas directos del bien contra el mal que tipificaron la mayor parte de la televisión del siglo XX y las series más moralmente ambiguas que definirían el medio en el siglo XXI. Pero eso podría sugerir que cualquier televidente en el mundo se perdió NYPD Blue, cuyo uso de un lenguaje más gráfico y desnudez ayudó a convertirlo en una sensación controvertida e increíblemente popular desde el principio. Y en el brutal, intolerante, alcohólico y finalmente amado detective Andy Sipowicz de Dennis Franz, la serie tenía un personaje icónico que ayudó a preparar a los espectadores para Tony Soprano y Walter White. En su mayoría, sin embargo, NYPD Blue fue un gran procedimiento policial, lleno de diálogos ingeniosamente profanos, figuras memorables en ambos lados de la ley (particularmente en los años en que Sipowicz se asoció con el relajado y conmovedor Bobby Simone de Jimmy Smits), y un comprensión palpable del trauma que la violencia inflige a todos los expuestos a ella.

Las tres primeras temporadas de The Daily Show parodiaban principalmente la estupidez de los noticieros de televisión locales. Cuando Jon Stewart sucedió a Craig Kilborn como anfitrión, el enfoque se expandió rápidamente a una escala nacional y luego internacional. Mientras tanto, el tono cambió gradualmente a uno no de sátira amable, sino de justa indignación por las cosas terribles que los políticos de nuestro país estaban haciendo y diciendo, y las formas aún más terribles en que el aparato de los medios de comunicación tradicionales las cubrió con tanta frecuencia. Todavía había mucho espacio para las payasadas de una fila de corresponsales asesinos como Stephen Colbert, Samantha Bee y John Oliver, todos los cuales finalmente se graduaron para presentar sus propias variaciones fabulosas del concepto. Pero la encarnación de Stewart en su conjunto desarrolló una reputación tan poderosa por decir la verdad al poder, que las encuestas en ese momento sugirieron que era más probable que los espectadores más jóvenes se mantuvieran al tanto de los eventos actuales a través de este programa de noticias falsas que del artículo genuino.

Algunos espectadores vieron esta serie creada por Lena Dunham como una mirada aguda, a menudo divertida y a menudo conmovedora a un grupo de mujeres jóvenes en un momento precario de sus vidas. Otros vieron todo el asunto como un enorme troll diseñado para hacerlos enojar con la miopía de personajes como la aspirante a escritora Hannah de Dunham, la narcisista Marnie de Allison Williams, la Jessa de espíritu libre de Jemima Kirke y la ansiosa Shoshanna de Zosia Mamet. Nuestros votantes obviamente tomaron el primer punto de vista, reconociendo que Girls entendió con qué frecuencia los miembros de ese cuarteto estaban siendo ridículos, incluso cuando los describía a ellos y sus luchas con gran empatía. (Aunque el programa tenía sus propios puntos ciegos, particularmente por ser otra historia más sobre una Nueva York prácticamente completamente blanca). Girls también lanzó efectivamente la carrera de Adam Driver, y fue maravilloso como Adam, el voluble novio intermitente de Hannah . Pero para amar Girls, tenías que amar a sus personajes principales. Y lo hicimos, sin importar cuán exasperantes pudieran volverse.

En los días transcurridos desde que Bea Arthur, Betty White, Rue McClanahan y Estelle Getty interpretaron por primera vez a un cuarteto de mujeres mayores que disfrutaban de sus años dorados en Miami, los actores de las comedias de situación en promedio se han vuelto sustancialmente más jóvenes. La teoría, como le dirán muchos ejecutivos de televisión, es que los espectadores más jóvenes (la moneda más valiosa en el negocio de la televisión) preferirían ver personajes más cercanos a su edad. Sin embargo, pregúntele a casi cualquier niño y adolescente de los años ochenta acerca de Las chicas doradas, y es probable que sus rostros se iluminen con recuerdos de Sophia de Getty insultando a sus compañeros de casa, White's Rose contando otra historia surrealista de su hogar de infancia en St. Olaf, Minnesota, McClanahan's Blanche vamping listo para otra conquista sexual, o la Dorothy de Arthur destruyendo a un oponente con solo una mirada fulminante y un ligero cambio en la inflexión. Cuando los protagonistas son tan divertidos y simpáticos como este grupo, la edad no es más que un número.

Décadas antes de que las estrellas de YouTube y TikTok obtuvieran acuerdos de desarrollo, Trey Parker y Matt Stone fueron contratados por un ejecutivo de Hollywood para producir una tarjeta de Navidad animada profana. El resultado final, que enfrentó a Jesús contra Santa, se volvió tan viral como cualquier cosa a mediados de los noventa, y pronto los personajes del cortometraje, en particular, los estudiantes de primaria de Colorado Stan, Kyle, Cartman y Kenny, comenzaron a protagonizar su propio horario estelar. espectáculo de cables Un cuarto de siglo después, Parker y Stone siguen contando historias irreverentes de South Park. Incluso más que Los Simpson o Beavis y Butt-Head, South Park fue tratado durante mucho tiempo por sus detractores como el programa que provocaría el fin de la civilización tal como la conocemos. Para ser justos, a la sociedad no le está yendo tan bien en estos días, aunque sigue habiendo un acalorado debate sobre cuánta culpa se debe culpar a los hombres de mediana edad que crecieron viendo a Kenny siendo brutalmente asesinado cada semana. Pero a medida que el proceso de animación del programa ha evolucionado desde el enfoque original de papel de construcción de stop-motion utilizado en el primer episodio (titulado, por supuesto, "Cartman obtiene una sonda anal"), South Park ahora se puede ensamblar tan rápido que Parker y Stone puede burlarse de cualquier hecho actual prácticamente a las pocas horas de que suceda.

La imagen más perdurable de la primera gran comedia de situación laboral de la televisión es la de su héroe, el escritor de programas de variedades Rob Petrie (Dick Van Dyke) tropezando con la otomana de su sala de estar después de volver a casa después de un largo día en la oficina. Sin embargo, después de un tiempo, la serie comenzó a alternar el tropiezo de Rob con una versión en la que sorteaba ágilmente el desastre. Si bien a los espectadores se les negó la oportunidad de ver el talento de Van Dyke para las payasadas en la parte superior de cada episodio, la versión alternativa fue, en cierto modo, más fiel al espíritu de uno de los espectáculos más elegantes de todos. Van Dyke y una joven Mary Tyler Moore (como la adoradora y adorable esposa de Rob, Laura) eran ambos comediantes talentosos, pero también proyectaban un aire de sofisticación genial tan fuerte que los espectadores y los críticos comenzaron a compararlos con John y Jackie Kennedy, quienes se mudaron a la Casa Blanca casi al mismo tiempo que conocimos a los Petrie. Combínalos con los viejos profesionales Rose Marie y Morey Amsterdam, y dales a los cuatro los mejores chistes que el gran Carl Reiner (quien modeló a Rob en su propia experiencia trabajando con la estrella de variedades de los años cincuenta, Sid Caesar) podría darles, y tú tuvo un clásico instantáneo, aparentemente sin esfuerzo.

La miniserie de Barry Jenkins sobre la esclavitud es el mayor logro técnico en la historia de la televisión. Y con el debido respeto a Juego de Tronos, la nueva serie de El Señor de los Anillos, o cualquiera de los otros espectáculos recientes de gran presupuesto del medio, no es una contienda especialmente reñida. Jenkins y colaboradores como el director de fotografía James Laxton se aseguran de que cada cuadro sea deslumbrante y pictórico en detalle, sin importar cuán horrible (un esclavo siendo azotado, una casa quemada con gente adentro) o hermoso (el ferrocarril titular es una línea de tren real, tomando prestado de la premisa del realismo mágico de la novela de Colson Whitehead) son las imágenes individuales. Ningún programa ha puesto nunca tanto esfuerzo y habilidad en su diseño de sonido, de modo que los espectadores se sientan como si estuvieran bajo el sol abrasador con la esclava fugitiva Cora (Thuso Mbedu), rodeada de insectos que cantan. Y, para el caso, pocos directores han provocado actuaciones tan desnudas y vividas como Mbedu, Joel Edgerton (como un despiadado cazador de esclavos), William Jackson Harper (como un hombre negro libre que intenta que Cora acepte la posibilidad de bueno en este mundo), y otros entregan aquí. Un nocaut para todos los sentidos, y para el corazón.

Hoy nos maravillamos con comedias como Better Things o Reservation Dogs que son capaces de transformarse radicalmente de un episodio a otro. Taxi estaba haciendo esto hace más de 40 años, solo que no era tan evidente, porque se estaba haciendo en un formato de comedia de situación tradicional con chistes frecuentes y risas fuertes de la audiencia. Pero dentro de esa estructura, y dentro del entorno aparentemente limitado de un garaje de una compañía de taxis en Manhattan donde la mayoría de los conductores (aparte del práctico Alex de Judd Hirsch) sueñan con mejores trabajos, Taxi podría lograr mucho. Podría ser amplio, bordeando lo surrealista, ya que se apoyaba en personajes como el caso espacial hippie de Christopher Lloyd, Jim Ignatowski, o el mecánico inmigrante alegre de Andy Kaufman, Latka. Podría ser crudo y pequeño, como un episodio en el que el diminuto pero cruel despachador Louie DePalma (Danny DeVito) habla sobre su humillante viaje anual para comprar trajes en la sección de niños fornidos de la tienda por departamentos. Y a veces, podía hacer ambas cosas al mismo tiempo, como un Jim afligido que le dice al traje vacío de su difunto padre las cosas que nunca pudo decir durante su largo distanciamiento. Aunque los taxistas rara vez lograban sus sueños, Taxi podía hacer casi todo lo que se proponía.

Al principio, Key & Peele llamó la atención por lo oportuno que parecía, como una comedia de sketches en la que los comediantes birraciales Keegan-Michael Key y Jordan Peele exploraron las fronteras a veces confusas entre los Estados Unidos negros y blancos, al final del primer mandato de la nación. primer presidente birracial. Y una parte temprana de la firma involucró a Peele interpretando a un imperturbable Barack Obama mientras Key acechaba detrás de él como el "traductor de la ira" de POTUS, Luther. Pronto, sin embargo, Key & Peele se hizo conocido por su feroz compromiso con cada parte. Sus parodias de películas de acción tenían un parecido sorprendente con la realidad, e ideas aparentemente livianas como el actor de Family Matters, Reginald VelJohnson, quejándose de que Steve Urkel se hizo cargo del programa, tomaron giros increíblemente oscuros. En retrospectiva, no es difícil ver cómo Peele dio el salto de este programa para convertirse en el director de películas de terror más famoso de Estados Unidos. Pero él y Key fueron una pareja maravillosa por un tiempo.

La mayoría de los reverenciados dramas de cable de principios de la década de 2000 usaban géneros televisivos familiares y llenos de acción (mafiosos, policías, vaqueros, etc.) como caballos de Troya para pasar de contrabando comentarios más desafiantes sobre la vida moderna. La anomalía fue Six Feet Under, cuya premisa se construyó en torno al lugar sin glamour donde terminarían muchos de esos otros tipos de personajes: una funeraria, dirigida por la reprimida y disfuncional familia Fisher. Comenzando con la muerte del patriarca Nathaniel Fisher Sr. (Richard Jenkins, quien se quedó en forma fantasmal), la serie de Alan Ball estudia la lucha de su viuda Ruth (Frances Conroy) y sus hijos Nate (Peter Krause), David (Michael C. Hall ), y Claire (Lauren Ambrose) tuvo que lidiar no solo con la muerte de Nathaniel, sino con el conocimiento ineludible de que la suya llegaría algún día. Esa falta de una "franquicia" televisiva tradicional para ayudar a impulsar las historias llevó a que Six Feet fuera más desigual que sus pares, pero sus puntos altos, particularmente la icónica secuencia final, puntuaron con "Breathe Me" de Sia, que lleva la premisa del programa a su lógica. conclusión—fueron extraordinarios.

¡Viaje en el tiempo! ¡Qué alto concepto! En la primera temporada de esta audaz comedia de ciencia ficción, la diseñadora de software Nadia (Natasha Lyonne, haciendo el mejor Columbo de este lado de Peter Falk) sigue muriendo violentamente, solo para reaparecer en el baño en su fiesta de cumpleaños número 36. En el segundo, ella y su tenso amigo Alan (Charlie Barnett) se encuentran saltando cuánticamente atrás en el tiempo para experimentar la vida como miembros de sus árboles genealógicos. En ambas temporadas, Lyonne (quien co-creó el programa con Amy Poehler y Leslye Headland) logró divertirse enormemente con los extremos a los que se podía llevar cada idea, al mismo tiempo que usaba estas aventuras que distorsionan la realidad para examinar la incapacidad de Nadia para cambiar su propia vida jodida. Mas por favor.

El primer episodio de esta comedia de conjunto involucra a un grupo de estudiantes universitarios comunitarios excéntricos: el abogado inhabilitado Jeff (Joel McHale), la pretenciosa Britta (Gillian Jacobs), el obsesionado con la cultura pop Abed (Danny Pudi), el tonto ex deportista Troy (Donald Glover) , la triunfadora Annie (Alison Brie), la maternal Shirley (Yvette Nicole Brown) y el intolerable boomer Pierce (Chevy Chase), improbablemente convirtiéndose en amigos. El último episodio tiene a los miembros restantes de este grupo imaginando varios escenarios para lo que sería una séptima temporada de Comunidad, que todos ellos, y no solo Abed, parecen haber aceptado en algún nivel es el programa de televisión en el que son personajes. sería como . Mientras evolucionaba gradualmente desde ese comienzo relativamente cuerdo hasta esa meta conclusión, la creación de Dan Harmon logró pasar de contrabando parodias de cine y televisión perfectas (sobre todo los episodios de paintball al estilo de las películas de acción) en la monotonía de la vida en Greendale Community College, y trató a los miembros del grupo de estudio como personas, incluso en medio de esta locura autoconsciente. fue especial

"Las computadoras no son la cosa; son lo que te lleva a la cosa", explica el vendedor Joe McMillan (Lee Pace) al comienzo de este drama del mundo de la tecnología. En el caso de este programa, el mercurial y misterioso Joe y su agraviado compañero Gordon (Scoot McNairy) fueron lo primero: antihéroes masculinos del tipo que se había convertido en un lugar común hasta el punto de un cliché en los años previos a su presentación. . Pero luego, Halt descubrió cómo hacer que Joe y Gordon se convirtieran en lo que nos llevó a la cosa: la historia de cómo la ex novia de Joe, Cameron (Mackenzie Davis), y la esposa de Gordon, Donna (Kerry Bishé), eventualmente se unirían para ser parte de el nacimiento de internet. Los hombres no desaparecieron exactamente, y Pace y McNairy estuvieron geniales en todo momento, pero el cambio en el punto de vista de las mujeres que este tipo de programas generalmente ignoraba desbloqueó todo el potencial de la serie, haciendo que no se sintiera como un clon de Mad Men ambientado en los años ochenta. y los años noventa, pero su propio trabajo maravilloso.

La medicina ha sido durante mucho tiempo parte de la santísima trinidad de las profesiones televisivas, junto con el trabajo policial (ya sea en la actualidad o en el Lejano Oeste) y la ley. Sin embargo, de todos los grandes espectáculos médicos que ha visto el médium (St. Elsewhere, House, Scrubs y Grey's Anatomy, por nombrar solo algunos), el único que figura en nuestra lista fue este gigante de mediados de los noventa. Creada por Michael Crichton y producida por John Wells, ER combinó la estructura de un drama hospitalario con el ritmo y la adrenalina de una película de acción. Transmitió de manera experta el caos, los triunfos, la tragedia e incluso la comedia de la vida en una sala de emergencias. Convirtió a George Clooney en una superestrella como el pediatra que rompe las reglas Doug Ross, y también tuvo un elenco bastante especial a su alrededor que incluía a Julianna Margulies, Anthony Edwards, Noah Wyle, Eriq La Salle y muchos más en el transcurso de 15 temporadas. ¡Tenemos que intubar! ESTADO!

Cerca de la conclusión de la obra maestra del falso documental de Ricky Gervais y Stephen Merchant, Tim (Martin Freeman) filosofa: "Las personas con las que trabajas son solo personas con las que te unieron. Ya sabes, no los conoces, no fue tu elección. Y, sin embargo, pasas más tiempo con ellos que con tus amigos o tu familia. Pero probablemente todo lo que tienen en común es el hecho de que caminan sobre la misma alfombra durante ocho horas al día". Los espectadores finalmente pasarían un poco menos de ocho horas en total con Tim, su enamorada Dawn (Lucy Davis), el repulsivo Gareth (Mackenzie Crook) y, más notablemente, su horrible jefe David Brent (Gervais). Sin embargo, la escritura, la construcción del mundo y las actuaciones hicieron que se sintiera como si hubiéramos estado atrapados en la misma alfombra con ellos durante años. Uno de los programas definitorios de la comedia del siglo XXI, sin el cual no existirían varios otros en esta lista, y no solo el remake estadounidense. Y si las travesuras auto-engrandecidas de David a veces pueden ser dolorosas de ver, el compromiso inquebrantable de Gervais y Merchant de representar las agonías del trabajo monótono en el lugar de trabajo valió la pena en el especial de Navidad que concluye la serie.

En esta comedia sombría e inquietante, el alumno de SNL, Bill Hader, interpreta a un asesino a sueldo que se topa con una clase de actuación y descubre que preferiría matar en el escenario que hacerlo con balas. La premisa podría haberse convertido fácilmente en un espectáculo de una sola broma sobre la línea borrosa entre las dos profesiones despiadadas. En cambio, Barry se tomó muy en serio el deseo del personaje principal de cambiar de carrera, y las implicaciones de que un hombre emocionalmente atrofiado tenga que explorar sus sentimientos, como parte del método de actuación enseñado por el engreído Gene Cousineau (Henry Winkler). Como resultado, Barry puede ser tanto el programa más divertido de la televisión (especialmente cuando Anthony Carrigan está presente como el alegre mafioso checheno NoHo Hank) como el más trágico, a menudo con unos pocos latidos uno del otro.

En la oficina del sótano húmedo a la que el FBI lo ha desterrado por presentar demasiados informes sobre extraterrestres y monstruos, Fox Mulder (David Duchovny) tiene un cartel con la imagen de un platillo volador y el eslogan "Quiero creer". Durante mucho tiempo, el emocionante procedimiento de ciencia ficción de Chris Carter trató de jugar las cosas por el medio, de modo que la escéptica compañera de Mulder, Dana Scully (Gillian Anderson), pudiera parecer completamente razonable al descartar sus teorías de conspiración. Pero los fanáticos de X-Files comprensiblemente querían creer en muchas cosas: chiripa, cambiaformas y, sobre todo, en la idea de que la química insana de Duchovny y Anderson eventualmente llevaría a Mulder y Scully a un romance. El programa popularizó la idea de una serie que tiene una "mitología" y una historia serializada en curso que tenía que ver desde el principio para comprender. Pero la mayoría de los episodios siguieron el formato del "Monstruo de la semana", y son los que se han mantenido mejor después de todos estos años, especialmente después de que tantos programas posteriores hicieron un mal trabajo al intentar crear sus propios Expedientes X. estilo mitología.